[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]Four Tet - 2010 - There Is Love in You[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]
Electronic

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/Four%20Tet%20-%202010%20-%20There%20Is%20Love%20in%20You&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Le propre des grands artistes est de savoir se remettre régulièrement en question. Depuis son premier essai, il y a plus de 10 ans, Four Tet n’a jamais voulu qu’on l’enferme dans une case. En 4 albums, il a su marquer de son empreinte l’univers de la musique électronique entre expérimentations hip-hop, jazzy et folk. Ce nouvel album de l’Anglais, There Is Love In You, risque fort de désappointer les puristes de l’électronica. Quoi ? Four Tet fait désormais de la house ? Sacrilège ! Mais que les intégristes ignorants criant à la trahison se rassurent, There Is Love In You est en toute simplicité un bijou. Malgré sa volonté d’émancipation par le biais de la rythmique 4/4, Kieran Hebden tient la main de l’auditeur en ne brisant pas le fil d’Ariane parcourant ses précédentes créations : l’omniprésence de l’enfance. En cela, There Is In Love In You est un album d’un optimisme autant poignant que réjouissant. Four Tet n’oublie pas son besoin compulsif d’ajouter une multitude de petites sonorités surannées afin que sa musique apparaisse comme révélatrice de nos souvenirs enfouis. C’est ce territoire appropriable qui lui permet de rendre ses créations enivrantes. Ses intentions sont claires et passent désormais par la prépondérance de la mélodie sur la surenchère électronique superfétatoire. Mais ne soyons pas dupes, ce n’est pas parce qu’une mélodie est &quot;légère&quot; et que la rythmique est dansante et épurée qu’un véritable travail d’orfèvre ne s’observe pas. Le moindre son semble avoir été travaillé à la loupe pour que l’ensemble puisse directement parler aux émotions. C’est ainsi que derrière la relative simplicité apparaissent des chefs d’œuvres oniriques. Absolument rien n’est à jeter dans cet album dont les 9 morceaux sont d’une cohérence et d’une profondeur sans pareil. On retrouve Love Cry, prodigieuse odyssée de 9 minutes à la matrice sonore finement ciselée et dont la rythmique bossa s’efface avec finesse pour faire place à une house solaire intemporelle dont la mélodie s’annihile pour laisser place à l’hypnose. Circling convoque les démons de la musique répétitive américaine avant d’emporter l’auditeur dans un final renversant pendant que l’ambiance folk distillée par les quelques notes de guitares de She Just Likes To Fight vous serreront le cœur. Four Tet est un génie qui arrive à confectionner des bijoux à partir d’un rien, à transporter l’auditeur avec une simple mélodie. Il démontre avec un talent infini qu’on peut transfigurer un style, la house, sans non plus en renier ses fondements. There Is Love In You est un album intemporel, une parenthèse indélébile qu'on risque fort d'écouter sans jamais se lasser.

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[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]Gonjasufi - 2010 - A Sufi &amp; A Killer[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]
Electro/Sample

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/Gonjasufi%20-%202010%20-%20A%20Sufi%20&amp;%20A%20Killer&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Les anglais de Warp, jamais avares de bonnes surprises, marchent ici sur les plates-bandes de leurs compatriotes Ninja tunes en signant le premier album de Gonjasufi, de son vrai nom Sumach Ecks, un type pas fini qui joue du sampler et des machines un peu comme Hendrix jouait de la stratocaster. Avec &quot;A Sufi And A Killer&quot;, ce prof de yoga chevelu et barbu signe ce qu’on a entendu de plus passionnant, et sans doute de plus barré, chez Warp depuis bien longtemps. De mémoire, il faudrait presque remonter à l'époque des premiers Tricky, Massive Attack, Portishead ou Dj Shadow pour trouver trace d'un tel album, utiisant les samples avec autant de génie et de créativité. Mais voilà, le MPC 500 étant un peu passé de mode, cet album n’aura sans doute jamais le même impact que s’il était sorti en 1997. Ce qui n’est évidemment pas une raison suffisante pour refuser ce patchwork musical, ce trip aux long cours qui vous conduira aux quatre coins de la planète en moins de 45 minutes et sans avoir besoin de consommer la moindre substance hallucinogène. Car les champignons, c’est Gonjasufi lui-même qui les a fumés ! Il suffit d’écouter ses collages pour se rendre compte qu’il n’est pas allé chercher ses vinyles chez David Getta mais plutôt dans des vieux bacs à soldes remplis de disques des années 60/70 : Isaac hayes, The Stooges, Jimi Hendrix, musique tribale ou indienne et autres gourmandises psychedéliques… De ces trésors, il n'a gardé que quelques fragments pour composer une œuvre hybride et génialement foutraque, produite par Mainframe, Gaslamp Killer et Flying Lotus. On n’attend plus désormais que le travail des &quot;décortiqueurs&quot; (Samples.fr, Sampleur-samplé…) pour nous trouver la provenance exacte de tous ces bon vieux sons dont on ne se lasse décidément pas.

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[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]Janelle Monae - 2010 - The Archandroid[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]

Funk/Soul

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/Janelle%20Monae%20-%202010%20-%20The%20Archandroid&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Après avoir fait pas mal le buzz sur la toile, la superbe Janelle Monáe envoie tout le monde dans les cordes dès son premier album. Au cœur d’un immense fourre tout musical principalement nourri au R’n'B et à la Soul, la grâce ne retombe jamais. A l’écoute de ce recueil de 18 chansons, c’est presque une évidence: Janelle Monáe est une rareté en soi, une artiste touche-à-tout au charme ravageur et à la réussite insolente. Une novice déjà prête à devenir reine. En plus d’avoir tous les atouts pour faire exploser médiatiquement sa créatrice, ravir les amateurs de R’n'B, de musique soul et de dancefloor, ‘The ArchAndroid’ promet de ravir les critiques en quête de fraîcheur et de perles rares. Si les stars planétaires comme Beyonce ou Usher souhaitent tenir leurs rangs encore quelques temps, il va leur falloir mettre les bouchées triple et espérer que Janelle Monáe ne soit qu’un miracle éphémère. Pour un premier essai sur la piste du succès, la belle gazelle a rattrapé le temps perdu par beaucoup d’artistes préférant truster les charts en optant pour les effets de mode et le surplace inspirationnel. La native de Kansas City prouve encore une fois qu’il est possible d’allier la créativité à la réussite commerciale, et de réunir sous une même bannière tous les publics. Recouvertes d’une couche de groove à l’efficacité universelle, le rock, la soul, la pop, l’électro et le R’n'B se sont invités à la danse. Et pas question d’utiliser la diversité musicale comme un simple prétexte de qualité ou d’originalité, Janelle n’étant visiblement pas du genre à se contenter du strict minimum. Son grain de voix, merveilleux d’énergie, d’élégance et de justesse, s’adapte naturellement à tous les genres. Qu’elle s’habille un instant en rock star (« Come Alive (War Of The Roses) ») ou se déhanche en robe de soirée sur des tubes R’n'B plus ou moins explosifs (« Cold War », « Tightrope », « Dance Or Die », « Faster »), la jeune artiste rayonne, impressionne par sa maturité et son aisance. Elle profite de ses multiples talents pour s’amuser avec les américains de Of Montreal (« Make The Bus ») sur des compositions électro-pop étrangement entêtantes dont les arrangements rappellent ceux de MGMT (« Wondaland »). Présente sur tous les fronts, la diva donne corps et âme pour briller en toutes circonstances. Rien ne l’arrête, ni les ballades minimalistes et aériennes (« 57821″) , ni les complaintes soul partagées entre les seventies (« Sir Greendown », « BaBopBye Ya ») et l’univers d’Alicia Keys (« Say You’ll Go », « Oh Maker »), ni le psychédélisme rock et autres expériences bizarroïdes (« Mushroom And Roses », « Neon Valley Street »). Seules quelques interludes classieuses (« Suite II Overture », « Suite III Overture », « Neon Gumbo ») et un single relativement classique (« Locked Inside ») feront redescendre sur Terre cette artiste définitivement hors-pair. S’il fallait un chef d’œuvre universel pour 2010, le choix se porterait sans l’ombre d’un doute sur un disque de la trempe de celui-ci. Beau, dansant et doté d’une richesse mélodique impressionnante, ‘The ArchAndroid’ marque les esprits et l’arrivée d’une étoile filante inespérée pour le R’n'B: Janelle Monáe.

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[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]Plan B - 2010 - The Defamation of Strickland Banks[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]

Pop 

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/Plan%20B%20-%202010%20-%20The%20Defamation%20of%20Strickland%20Banks&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Voici un jeune chanteur (27 ans) qui connait le sens du mot mesure ! Benjamin Paul Ballance Drew cartonne outre Manche depuis 2006. Les britanniques ne s'y sont pas trompés ! Ce jeune chanteur est doué pour le mélange des genres. Tel un alchimiste, il parsème cet opus de ce qui s'est fait de mieux ces trentes dernières années : une touche de hip-hop par-ci (on dit de lui qu'il est la rencontre de Damien Rice (pour les mélodies) et d'Eminem à qui il aurait volé le flow percutant et inimitable), un peu de soul-funk (voix légère, paroles sexy...) une dose de folk et de la guitare acoustique en toutes circonstances. On comprend mieux pourquoi le jeune homme squatte les chats anglais depuis la sortie de ce second opus qui s'avère être un album-concept. En effet, nous suivons les aventures d'un chanteur qui, à la suite d'un concert, rencontre une fan obsédée par lui. La voyant accro, il la rejette assez violemment et tombe peu après sous le coup d'une accusation de viol qui le mènera en prison. Les chansons nous racontent surtout le voyage interieur de ce jeune homme contraint à remettre sa vie et sa carrière en questions. La treizième et dernière chanson nous laisse dans l'expectative quant à l'issue du nouveau procès qui s'ouvre. On se demande même s'il n'y a pas un film à venir tellement l'histoire paraît maîtrisée ( si on ajoute à celà que Drew est aussi acteur pour des court-métrages et qu'il fût au générique de adulthood de Noel Clarke). Le premier constat que l'on fait à l'issue de cette aventure c'est que 13 chansons, c'est définitivement trop court ! On ne peut que lui souhaiter , en bon alchimiste qu'il est, de continuer dans sa recherche du précieux dosage. 

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[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]S Mos - 2010 - Hip-Hop and Jazz mixed up[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]

HipHop/Jazz

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/S%20Mos%20-%202010%20-%20Hip-Hop%20and%20Jazz%20mixed%20up&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Depuis toujours, le jazz fait partie des racines musicales que le rap s’est très vite approprié, à tel point que certains groupes et artistes ont été catégorisés dans une branche dite « rap-jazz ». Si le poids des étiquettes est parfois lourd à porter comme l’a souvent répété DJ Premier à propos de Gangstarr et son morceau « Jazz Thing » dont la réception aura faussé quelque peu la ligne artistique originelle, force est d’avouer qu’en la matière certains en sont devenus d’illustres experts comme A Tribe Called Quest ou Digable Planets. Par ailleurs les collaborations entre artistes jazz et MC/Beatmakers sont aussi là pour rappeler la filiation légitime qui existe entre ces deux courants musicaux extrêmement proches de par leur dynamique révolutionnaire. Ainsi, un son nouveau est né des associations audacieuses entre Miles Davis et Easy Moe Bee, Herbie Hancock et Grand Mixer DXT sur le mythique « Rockit », Buckshot Lefonque et DJ Premier, sans oublier Lonnie Liston Smith, Donald Byrd et Roy Ayers dont le travail avec Guru a contribué au succès du premier Jazzmatazz. Back to the roots C’est donc dans cette veine artistique que S.Mos – notamment pianiste pour Birdy Nam Nam et compositeur – semble vouloir s’inscrire depuis que ce dernier s’est employé à compiler les crossovers sur ses volumes Hip Hop &amp; Jazz. Avec ce Mixed Up, S.Mos nous permet de toucher du doigt un rêve que beaucoup espéraient en secret, celui d’allier certaines grandes figures du rap avec des pointures comme Count Basie ou Thelonious Monk. Grâce à un mixage habile et un sens de la mélodie et du rythme, notre musicien nous permet d’entreprendre une lecture musicale sous un angle nouveau. Certains morceaux a capella comme « Today Was A Good Day » d’Ice Cube ou « Shimmy Shimmy Ya » d’Ol’ Dirty Bastard quittent leurs samples d’origine pour se frotter aux notes colorées de Cannonball Adderley (« Work Song ») et de Lou Donaldson (« Who’s Making Love »). L’effet est pour le moins saisissant, surtout lorsque 2Pac entame cette ode maternelle célèbre qu’est « Dear Mama » et qui au final prend la forme d’un slam émouvant sur les notes gracieuses de Ray Bryant (« The Thrill Is Gone »). Dès lors, on s’aperçoit très vite que S.Mos a su conserver l’esprit des titres originaux sur des morceaux où la folie de Busta Rhymes rencontre le jazz explosif de Count Basie (« Topsy ») et sur lesquels la verve d’Eminem conserve son caractère licencieux (« Sweet Honey Bee »). Ainsi, des pans de l’Histoire comme « The Message » de Grandmaster Flash » ou les poèmes enflammés des Watts Prophets sont revisités sous les accents toniques de Kenny Dorham et Charles Mingus. Dans un souci d’authenticité, S.Mos a pris le parti de s’écarter de la bonne vieille boucle samplée pour laisser jouer le morceau avec un plaisir non dissimulé et communicatif qui nous réconcilie à l’occasion avec des personnalités plus que douteuses comme les Black Eyed Peas ou Twista. Avec ce Hip Hop And Jazz Mixed Up, S.Mos part d’une initiative aussi originale qu’intéressante pour arriver à un résultat étonnant qui traduit un réel sens du mixage. Preuve une nouvelle fois que le rap sait épouser des formes inattendues sans renier pour autant ses origines.

Source: <!-- m --><a class="postlink" href="http://hiphopandyoudontstop.over-blog.com/article-s-mos-hip-hop-jazz-mixed-up-62458368.html">http://hiphopandyoudontstop.over-blog.c ... 58368.html</a><!-- m -->
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[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]Swans - 2010 - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]

Folk/Noise

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/Swans%20-%202010%20-%20My%20Father%20Will%20Guide%20Me%20Up%20a%20Rope%20to%20the%20Sky&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Je ne cache pas la joie qui fut la mienne lorsque j'ai appris que Michael Gira avait décidé de réactiver Swans et de partir en tournée aux Etats-Unis et en Europe, avec quelques dates dans notre beau pays. Ma place de concert attend donc, bien patiemment dans sa boîte dorée, le moment fatidique. Ma joie n'a été que redoublée quand j'ai jeté une oreille sur ce nouvel opus &quot;My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky&quot;, quatorze années après le magistral &quot;Soundtracks for the Blind&quot;. Swans reste pour moi un des groupes les plus magistraux de la scène Dark, ayant couvert un spectre musical d'une rare richesse : de l'agression sonore, martelante et industrielle des débuts (&quot;Filth&quot;, &quot;Cop&quot;, &quot;Greed&quot;, &quot;Holy Money&quot;) jusqu'à la beauté aérienne, folk et expérimentale (&quot;Children Of God&quot;, &quot;World Of Skin&quot;, &quot;10 Songs From Another World&quot;, &quot;Soundtracks For The Blind&quot;) en passant par des brûlots de Rock ténébreux et épique (&quot;White Light From The Mouth of Infinity&quot;, &quot;Love Of Life&quot;, &quot;The Great Annihilator&quot;). Mais attention : Michael Gira a bien précisé sur son site qu'il ne s'agit pas ici de répéter le passé ou de redonner aux fans des classiques tels que le font tant de groupes qui se sont reformés ces dernières années. Après cinq albums sous le nom de Angels Of Light, le son qui intéresse Michael Gira aujourd'hui a évolué vers quelque chose qui se rapproche plus de ce qu'avaient été les Swans : ce bouillonnement sonore, dissonant et épique. Le nom de Swans et la diversité de l'œuvre laissée permet aujourd'hui à Gira de retrouver une liberté créatrice. D'emblée, on remarque que le son de ce nouvel album se veut très live car, pour Gira, le facteur concerts a été primordial dans cette décision : retrouver l'extase qu'il a pu ressentir lors des performances en public des Swans, qui ressemblaient à des grand-messes soniques d'une puissance écrasante et où Gira, inspiré par les télévangélistes ou la figure du Christ, se contorsionnait en répétant, dans un état de transe, des mots comme des slogans publicitaires funèbres que le hurlement transcendait jusqu'au mystique. Il a donc rassemblé des musiciens d'un peu toutes les périodes du groupe : l'irremplaçable guitariste Norman Westberg, qui a contribué au son originel des Swans, mais aussi Christoph Hahn, Phil Puleo, Chris Pravdica, Thor Harris, et des nouveaux venus comme Bill Rieflin, Grasshopper et Devendra Banhart au chant. On regrettera bien évidemment la présence et la voix unique de Jarboe qui avait apporté tant au groupe pendant les treize années où elle y resta. Sans Jarboe et son sens de la mélodie et sans les couches de réverbération que Gira affectionnait tant, la musique se fait plus brute, plus rock et plus live. Même si les arrangements restent prodigieux, il y a un désir de ne pas arrondir les angles mais de revenir à la source, à l'énergie, à la force qui était présente dans les premiers Swans notamment. En revanche, d'autres titres s'affirment comme une suite directe à Angels Of Light. Le disque débute par des sons de cloches qui sont ensuite rejoints par des rythmes puissants et martelés. Samples, dissonances, noise, murs du son de guitare, cymbales et crissements comme l'écho d'enfants égorgés s'accumulent au sein d'une musique monolithique, définitivement morbide. Une entrée en matière à la fois sublime et terrible qui donne un aperçu de l'Enfer. Au bout d'un peu plus de trois minutes, alors que les cloches résonnent encore, le morceau se transforme en brûlot épique. Des roulements de tambours tribaux et martiaux appuient les bourrasques de guitares alors que la voix de Michael Gira émerge, grave, brillante, séductrice et dangereuse. Le son est massif, très proche de la grande période No Wave du groupe, quand ils partageaient les affiches avec Sonic Youth. Aucun doute : Gira revient à une énergie noire et viscérale qu'il avait un peu laissée ces derniers temps. On est terrassé, époustouflé, cloué au sol. Les deuxième et troisième titres sont très différents, renvoyant aux territoires folk que Gira explore depuis quelques temps. &quot;Jim&quot; est une ballade sombre sur un fond répétitif, électrique et monolithique. On se remémore que sans les Swans, des groupes comme 16 Horsepower et Woven Hand n'auraient jamais vu le jour. La tension monte, les guitares s'emportent sur des chœurs gospel sereins, comme Jarboe en assurait tant à l'époque. Pas de doute, Swans n'ont rien perdu de leur force incantatoire et de ce charme si américain que Gira a toujours su évoquer : celui des grands espaces ténébreux et volcaniques, d'explosions orageuses sur une nature hostile. Le tumulte urbain a toujours été confronté à cette inquiétude champêtre si proche de la tradition littéraire du Gothique sudiste. Un univers que Faulkner, Flannery O'Connor, Cormac McCarthy ou Nick Cave avaient exploré dans leurs écrits. L'accent et l'expérience sudiste de Jarboe avaient définitivement creusé ce sillon passionnant (nous vous renvoyons à l'interview que nous avions faite de Jarboe lors de son passage au Glaz'art) &quot;My Birth&quot; commence par des notes de piano avant la bourrasque sonique, alors que c'est une guimbarde que l'on entend au début de &quot;You fucking People make me sick&quot; (un titre de morceau digne de la période &quot;Raping a Slave&quot; et &quot; Mother, my Body disgusts me&quot;). La douce voix de Devendra Banhart s'engage dans un dialogue chanté avec une voix d'enfant, celle de la fille de Gira. Mais cette mélodie charmeuse, bercée par la mandoline, finit en pure apocalypse : des roulements de tambours, des cuivres et trombones coléreux, un piano dissonant et lugubre qui virent à la musique contemporaine. Comme si Ligeti s'était invité à la fête. &quot;Inside Madeline&quot; développe cette puissance cyclique, entêtante qui était la marque de fabrique de la période allant de &quot;White Lights From The Mouth Of Infinity&quot; à &quot;The Great Annihilator&quot; ; puis, au bout de quatre minutes, le morceau se dissout en ballade folk, avec arrangements de corde et de cuivres qui donnent un aspect big band à l'ensemble avant de s'achever sur la voix seule, dénudée, vulnérable de Gira et le silence. &quot;Eden Prison&quot; est sûrement un des temps forts de l'album et un des titres qui ressort avec force dès les premières écoutes de l'album. Il n'aurait d'ailleurs pas fait tache sur &quot;The Great Annihilator&quot;. La voix de Gira et son vibrato inimitable résonne dans la tête bien après que le morceau s'achève dans sa course effrénée. Le disque se clôt par du pur Angels Of Light, paisible et aux chœurs lumineux. C'est donc un titre dans la veine Country Folk qui, là encore, se termine sur la voix seule de Gira, donnant une aura nostalgique à la fin de ce putain de bon disque, certes diversifié et un peu éclaté, mais… quel plaisir ! Source: <!-- m --><a class="postlink" href="http://www.obskure.com/fr/kro_model.php?n_kro=6600">http://www.obskure.com/fr/kro_model.php?n_kro=6600</a><!-- m --> Téléchargement: <!-- m --><a class="postlink" href="http://mp3.deromemont.com/mp3/Swans%20-%202010%20-%20My%20Father%20Will%20Guide%20Me%20Up%20a%20Rope%20to%20the%20Sky.zip">http://mp3.deromemont.com/mp3/Swans%20- ... %20Sky.zip</a><!-- m --> 

[u:13wl8mgq][size=200:13wl8mgq]The Go! Team - 2011 - Rolling Blackouts[/size:13wl8mgq][/u:13wl8mgq]
Fusion

[img:13wl8mgq]http&#58;//mp3&#46;deromemont&#46;com/mp3/The%20Go!%20Team%20-%202011%20-%20Rolling%20Blackouts&#46;jpg[/img:13wl8mgq]

Après le premier extrait “T.O.R.N.A.D.O”., The Go! Team nous dévoile la tracklist de son troisième album intitulé Rolling Backrouts à paraître pour fin janvier 2011. Si on s’en réfère à T.O.R.N.A.D.O., la recette qui a fait le succès des deux opus précédents Thunder, Lightning, Strike en 2004 et Proof Of Youth en 2007 semble la même : une explosion de hip-hop, funk, rock psychédélique décuplée par la fougue de Ninja la chanteuse.

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