Hip Hop: Antipop Consortium - 2009 - Fluorescent Black
Hip Hop: Buckshot - 2009 - Survival Skills
Hip Hop: Kmd - 2001 - Black Bastards
Hip Hop: Kmd - 2006 - Mr.Hood
Hip Hop: La Coka Nostra - 2009 - A Brand You Can Trust
Chanson Francaise: Mano Solo - 2009 - Rentrer Au Port
Rock: Norah Jones - 2009 - The Fall
Post Rock: Oceansize - 2009 - Home &amp; Minor
Piano: Rachel Grimes - 2009 - Book of Leaves
Post Metal: Russian Circles - 2009 - Geneva
Downtempo: Soap &amp; Skin - 2009 - Lovetune for Vacuum
Rock / Electro: The Heavy - 2009 - The House That Dirt Built
Funk: The Phenomenal Handclap Band - 2009 - The Phenomenal Handclap Band
Turntablism rock: The Slew - 2009 - 100%
Hip Hop: Themselves - 2009 - Crownsdown
Post Rock / Metal: Thrice - 2009 - Beggars
Pop: Zero 7 - 2009 - Yeah Ghost


Antipop Consortium - 2009 - Fluorescent Black
Hip-Hop Experimental / Big Dada - Ninja Tune
[img:3f2f3]https&#58;//dl&#46;dropbox&#46;com/u/178054/mp3/Antipop%20Consortium%20-%202009%20-%20Fluorescent%20Black&#46;jpg[/img:3f2f3]
Récupération du disque, écoute première, écoute deuxième. Ok, le nouvel Antipop est le bon. Mieux qu'Airborne Audio. Plus pêchu que les délires mystico-longuets d'High Priest, plus spatial que les embardées assez spé (au final) de Beans, mieux que les tapes solo de M. Sayyid. Premier constat, les trois MCs du groupe restent les meilleurs rappeurs du moment. Dès le premier titre (Lay Me Down et son intro heavy-metal pétaradante), les quatre compères réconciliés remettent le couvert, Tragic Epilogue n'est pas loin, Beans défonce tout, Sayyid susurre ses couplets et le bloc MPC chauffe comme jamais.

Du premier au dernier titre l'album se digère comme on avait pu digérer Arrhythmia à l'époque. En écoutant l'ensemble, puis en rentrant dans les déstructurations de chaque titre (Volcano, Superunfrontable, Get Lite, NY To Tokyo et le back-mic de Roots Manuva, merci Big Dada...), puis en réfléchissant à ce qu'est au final le hip-hop aujourd'hui, et ce à quoi on aimerait parfois qu'il ressemble en 2010. Ce nouvel APC n'en est pas loin et contient suffisamment d'avancées aventureuses (productions comme vocals) pour figurer parmi les best hip-hop 2009.

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Buckshot - 2009 - Survival Skills
Hip-Hop

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On aurait pu croire à une blague. KRS-One et Buckshot, deux MCs parmi les plus emblématiques de leur génération, réunis pour un projet commun, cela semblait peu probable. Les deux légendes se sont pourtant bien retrouvées pour un album, et qui plus est, accompagnées d’invités plus prestigieux les uns que les autres. En effet, sur ce «Survival Skills», les guests et producteurs sont aussi fameux que les hôtes. Et puisque cet opus présente tout de même quelques faiblesses qui ne gâchent heureusement pas l’ensemble, on s’arrêtera surtout sur la présence toujours explosive de Dj Revolution sur le titre éponyme «Survival Skills» produit par Ill Mind (également auteur de l’ultra-efficace «Clean Up Crew» feat Rock d’Heltah Skeltah, et «We Made It» feat Slug d’Atmosphere), le hit «Robot» produit par Havoc de Mobb Deep, et le magnifique «Oh Really» feat Talib Kweli produit par Marco Polo. Les plus érudits reconnaîtront aussi la patte de Black Milk sur «Runnin Away» feat Immortal Technique, son style made in Detroit se distinguant de plus en plus facilement. Pharoahe Monch assume quant à lui son statut de MC hors-pair, sans complexe devant ses aînés sur un «One Shot» signé Nottz. On retiendra également la version ultra léchée de 9th Wonder («Past*Present*Future») malgré la présence dispensable de Melanie Fiona et Naledge de Kidz In The Hall. Une telle distribution, associée au talent de KRS et Buckshot, donne le vertige, et ne pouvait donc être qu’une réussite. Les amateurs d’un rap bien fat et efficace seront servis, de surcroît par deux de ses plus illustres représentants. Non contents d’avoir écrit à eux deux des chapitres entiers de l’histoire du hip hop, ils demeurent des activistes forcenés loin d’être égalés. La relève est certes bien présente, mais les vétérans font ici plus que de la résistance. Ils s’adaptent avec maestria aux différentes évolutions du rap avec une aisance déconcertante, et prouve ainsi qu’ils ne sont pas près de laisser leurs places. Mais on s’en doutait: il est impossible de déplacer de telles montagnes.

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Kmd - 2001 - Black Bastards &amp; Kmd - 2006 - Mr.Hood
Hip Hop East Coast

[img:3f2f3]https&#58;//dl&#46;dropbox&#46;com/u/178054/mp3/Kmd%20-%202001%20-%20Black%20Bastards&#46;jpg[/img:3f2f3]

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KMD est un groupe de rap américain, originaire de New York. Il était composé par Zev Luv X (maintenant connu sous le pseudonyme de MF Doom), son frère DJ Subroc, et Onyx, un de leurs amis.

Formé vers 1989, proche du groupe Third bass et signé sur Elektra (label qui abrite également Brand Nubian et Leaders Of The New School à l'époque) peu de temps après, le groupe sort son premier album Mr. Hood en 1991, majoritairement autoproduit. La suite sera plus difficile: DJ Subroc décède en 1993 dans un accident de voiture, et Black Bastards, le second album du groupe, est jugé trop violent par Elektra (pochette montrant un homme pendu). Bien que terminé, il ne sortira pas immédiatement (MF Doom le sortira en indépendant en 2000). Zev Luv X, détruit par le décès de son frère et dégouté par l'industrie du disque, dissout KMD en 1994 après avoir finalisé Black Bastards.
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La Coka Nostra - 2009 - A Brand You Can Trust
Hip Hop
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Articulée autour des anciens membres d’House Of Pain que sont Everlast, Danny Boy et Dj Lethal, La Coka Nostra est plus un collectif qu’un véritable groupe, sa composition variant sensiblement à chaque étape. Aujourd’hui composé de Ill Bill (ex Non-Phixion) et du MC Slaine en plus des trois pré-cités, le crew est définitivement passé à la vitesse supérieure en nous proposant l’album «A Brand You Can Trust», qui suit de près l’EP «100% Coka» ayant fait son petit effet début 2009. Annonçant la couleur avec une pochette sans équivoque, on comprend assez vite dans quelle orientation musicale se dirige le combo. Pas de sentiments: dès «Bloody Sunday» nous sommes pris dans une noirceur que des riffs de guitares soulignent, et que la voix rugueuse d’Everlast prolonge. Sean Dog et Big Left en guests rentrent également parfaitement dans le jeu, tout comme les nombreux invités de cet opus, dont la liste donne le vertige: Snoop Dogg sur «Bang Bang» et «I’m An American», Bun B sur l’oriental «Choose Your Side», Q-Unique et Immortal Technique sur le «mafieux» «Nuclear Medicinemen», Sick Jacken (Psycho Realm) sur «Soldier’s Story», et B-Real sur un des hits de l’album, «Fuck Tony Montana», sur lequel Ill Bill réussit une entrée éblouissante. Ce dernier s’avère d’ailleurs être l’une des grandes attractions de cet opus, son flow plus tranchant, plus maîtrisé, nous offrant quelques passages remarquables, notamment sur le poétique «Gun In Your Mouth». Car vous l’aurez compris, rechercher de la délicatesse ici, c’est comme chercher un buveur d’eau dans un pub des bas-fonds de Dublin. Et si Everlast tente d’amener un peu de douceur sur le refrain chanté de «The Stain» ou sur «Cousin Of Death», qui rappellent son orientation musicale actuelle, on préfère largement les beats et riffs de «Get You By», le côté de Jump Off de «Brujeria», ou l’authenticité d’un «That’s Coke». Ainsi, si «A Brand You Can Trust» n’est pas un modèle de créativité, il réussit néanmoins à renouer avec un hip hop brut, dénué d’artifices, ayant pour seule vocation de faire bouger les têtes. L’ensemble reste cohérent et plutôt bien produit. Quelques passages sans intérêt ne gâchent pas le résultat plutôt conforme à ce qu’on attendait: pas révolutionnaire, mais efficace, avec quelques munitions de gros calibres.

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Mano Solo - 2009 - Rentrer Au Port
Chanson Francaise
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'Rentrer au port', expression maritime, donne un cadre venteux à ce nouvel album de Mano Solo. Avant de rentrer tranquillement à l'abri des bourrasques dans les dernières chansons, ses compositions transportent l'auditeur sous des latitudes au souffle mélancolique (' Des années entières'), aux rafales révoltées (' Les Enfants païens') ou aux brises printanières (' Le bus me réveille'). Revenu aux arrangements qui avaient créé sa signature sonore dans les années 1990, le chanteur démontre avec brio que sa voix n'est jamais aussi touchante qu'avec une guitare et un accordéon pour l'accompagner. L'apport du piano continue d'offrir une enveloppe douce à ce timbre de voix unique, caressé d'inflexions orales ou assailli de déchirements subits. Les musiciens gardent tout de même un vrai espace pour développer leurs arpèges. A l'époque de la sortie de 'Dehors', Mano Solo avait modifié entièrement ses orchestrations, presque brutalement. Ici, c'est par petites touches que l'artiste bouscule l'attente, par l'insertion de partitions au clavier Rhodes, ou de mélodica. Mais c'est dans la qualité des textes que la fidélité de l'auteur à son public se ressent : empreints à la fois de moments instantanés de déprime ('Mon corps est à sec/Plus une larme ou même un cri sortant du bec' ), de vrais dilemmes moraux (' Les Enfants des autres') ou de vraies pages de tendresse ('Depuis quej'ai la chance, chaque matin/d' ouvrir mes yeux sur les tiens' sur la très belle 'Chaque matin'), 'Rentrer au port', comme toujours, parle avec les tripes et s'adresse au coeur. Et comme toujours, il touche au milieu même du palpitant.

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Norah Jones - 2009 - The Fall
Rock

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Vous avez bien lu : rock. Norah Jones, l'icône jazz pop, aux charmants albums aussi consensuels qu'inoffensifs, a viré sa cuti. Bien sûr, les observateurs savaient que la jeune femme était bien moins lisse et prévisible que sa discographie le laissait croire. Depuis quelques années déjà, elle donnait des concerts, semi-incognito, dans les clubs de New York avec les Little Willies (alt country) ou El Madmo (punk potache !). Mais le vrai déclic, on le doit à une douloureuse rupture : la séparation, après huit ans, avec Lee Alexander, son contrebassiste, producteur et coauteur. Norah Jones a donc tourné la page, congédié son ancien groupe, pour oser, enfin, à la fois brisée émotionnellement mais plus mûre, s'aventurer à exposer ses plaies en suivant la voie musicale, plus brute, plus charnelle, de son idole, Tom Waits.

The Fall, chronique sincère et émouvante d'une déception amoureuse, est donc un disque, entre rock et blues, de chansons qui tranchent avec le joli papier peint sonore auquel la belle nous avait habitués. Rassurez-vous, Norah ne braille pas pour autant, ne bascule pas dans le cliché. Epaulée ici par Ryan Adams ou Will Sheff (Okkervil River), soutenue par la guitare toujours unique de Marc Ribot, elle offre un pendant féminin, plus sensuel et fragile, aux albums trop confidentiels de Joe Henry. Sa douce voix acquiert dans cet environnement musical plus rugueux une profondeur et une intensité nouvelles. Un bel adieu pour miss Jones à l'easy listening, qu'on applaudit des deux mains en se réjouissant presque, cruellement, de son chagrin.

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Oceansize - 2009 - Home &amp; Minor
Post Rock

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En plus de dix années d'existence, les sorties majeures se comptent encore aujourd'hui sur les doigts d'une seule main pour Oceansize. Après une poignée de singles à ses débuts puis trois albums et l'EP Music For Nurses, sans oublier le récent coffret Feed To Feed sous forme de rétrospective live, c'est avec un disque constitué de six inédits que le groupe entend faire patienter son public jusqu'à la sortie de son quatrième effort studio en 2010.

Tant dans le fond que dans la forme, Home &amp; Minor pourrait être qualifié de disque hybride. Trop chargé pour être perçu comme un EP et trop court pour mériter l'appellation album, celui-ci est avant toute chose la synthèse des expérimentations récentes du groupe et plus certainement de Mike Vennart. Le chant parfois rageur de l'anglais s'y veut ici plus posé, presque effacé en face d'instruments eux aussi plus sages qu'à l'accoutumée, certaines des compositions allant même jusqu'à s'apparenter avec d'inoffensives musiques d'ascenseur. Si le résultat, que certains considèrerons peut-être comme un avant-goût du prochain effort studio du groupe, n'est pas dénué d'intérêt, certain temps morts et une approche plus libre dans l'écriture rendent parfois l'écoute moins captivante.

Mais au-delà de la relative accalmie planant au-dessus de ce disque, Oceansize semblent ici être parvenus à s'ouvrir de nouveaux horizons. Certes les ambiances et les tempos plus posés prennent le pas sur les mélodies ou la complexité des structures ayant fait le succès de la formation de Manchester, mais l'introduction somme toute réussie et judicieuse des cuivres sur Getting Where Water Cannot et la place plus grande accordée à la culture classique comme le démontre Didnealand sont autant de raison de se réjouir à l'écoute de Home &amp; Minor. Un ensemble cohérent donc, qui plus est relevé par les deux titres les plus conventionnels et accrocheurs que sont The Strand et Legal Teens. De quoi satisfaire tout autant le fan borné de la première heure que celui plus ouvert à toutes les formes de renouveau.

Objet à part dans la discographie d'Oceansize comme la le fut en son temps Zidane : A 21st Century Portrait pour Mogwai, Home &amp; Minor est un excercice de style réussi mais certainement pas indispensable.

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Rachel Grimes - 2009 - Book of Leaves
Piano

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De Philip Glass à Gonzales en passant par Keith Jarrett, l’exercice du piano solo est souvent délicat. Déjà réalisé à d’innombrables reprises, il est souvent difficile pour un artiste de se distinguer dans cette voie. En toute modestie pour “Book of Leaves”, Rachel Grimes s’attèle à la tâche, et réussit son coup pour un premier album qui se distingue d’abord par son visuel: un arbre aux branches clairsemées, douché par un halo à la température froide, collant parfaitement aux teintes composées par Grimes. Mélancolique et contemplatif, le piano, associé à des enregistrements provenant de sons bucoliques du Kentucky, invite à l’introspection et au recueillement. L’humeur est automnale et les ambiances de Rachel Grimes sont propices à cette arrière-saison. Et si la simplicité des compositions étonne pour ce registre traditionnellement exigeant, “Book of Leaves” gagne en spontanéité et en émotion. Le Kentucky étant une contrée à la géographie protéiforme, les inspirations de Grimes ne sont pas à dénicher bien loin. La pianiste tire partie des variétés d’atmosphères s’offrant à elle pour composer cette ode aux ballades dans une nature difficilement apprivoisable. Après de multiples écoutes, ce solo piano apparaît plus sincère que d’autres oeuvres similaires contemporaines, permettant ainsi de mieux comprendre la présence d’un tel projet sur le label Ruminance, plus connu pour abriter les ovnis d’Eugène S. Robinson et les saccades d’Aucan. Pour la petite histoire, Grimes est déjà connue comme pianiste chez Emily Jane White, Shannon Wright, King Daughter’s &amp; son et The Rachel’s, son groupe actuellement en stand-by. Fidèle à un circuit totalement indépendant, et compte tenu de la teneur onirique de ce premier jet, Rachel Grimes prouve qu’elle a toute sa place dans la discographie hétéroclite du label.

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Russian Circles - 2009 - Geneva
Post Metal

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L’heure est au post metal. Peu de temps après que Pelican ait livré son très bon “What We All Come To Need“, Russian Circles lui embraye le pas et monte le niveau d’un cran avec “Geneva”, un impeccable troisième album qui fait définitivement de Chicago le centre névralgique du genre. Effusions de guitares, sciures de baguette et basse claquantes sont donc une nouvelle fois au menu habilement servi par un trio plus inspiré que jamais, qui se plait à nourrir son post rock à la protéine pure. Car, à la façon des précités comme de Mogwai, Russian Circles maitrise on ne peut plus le contraste, et ne manque pas de l’illustrer tout au long des sept titres de ce “Geneva”. “Fathom”, qui ouvre le bal, se jette ainsi tête baissée dans une tension jouissive avant d’ouvrir les vannes à une intensité progressive, tellement bien gérée qu’elle ne vient jamais entacher son approche mélodique purement post rock. Dans le même genre, “Geneva” ajoute une couche bruitiste, d’efficaces breaks de basse signés Brian Cook (Botch, These Arms Are Snakes), et invite chaleureusement à venir partager cette ambiance ténébreuse à l’obscurité renforcée par une qualité de son irréprochable. Ce n’est qu’ensuite, sur la dernière ligne droite de cet opus, entrecoupée par l’effréné “Malko”, que le trio joue son va-tout, en s’abandonnant à de longs passages atmosphériques, mélancoliques, et naturellement évolutifs, ou se marient samples de cordes, de cuivres, et arpèges minimalistes donnant peu à peu naissance à un cohérent maelstrom sonore (”Melee”, “When The Mountain Comes To Muhammad”, le final “Philos”). A ce petit jeu, c’est d’ailleurs le plus linéaire et cinématographique “Hexed All” qui enfonce le clou magnifiquement, jusqu’à s’apparenter à quelques titres de Mogwai, quand les écossais venaient taquiner le monde du football. Pas de doute, Russian Circles est désormais constitué de véritables compositeurs, à tel point que jamais on note l’absence du chant. Un point crucial pour tout disque de post-quelque chose réussi.

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Soap &amp; Skin - 2009 - Lovetune for Vacuum
Pop Experimental - Downtempo
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À l'instar d'un homme et de son physique, il arrive qu'on puisse dire d'une artiste à l'écoute de son oeuvre, qu'elle ne fait pas son âge. À tout juste 19 ans Anja Franziska Plaschg, alias Soap&amp;Skin, sort un premier album à l'univers étonnamment profond. Lovetune for vacuum est un ouvrage sombre, flirtant ça et là avec la nostalgie. Pas ce qu'on attend forcément d'une personne majeur depuis peu. Mais il est permis pour la scène musicale autrichienne de s'enthousiasmer, c'est un premier opus plein de promesse qui nous tombe dans les bacs. Déjà mature dans son atmosphère, Soap&amp;Skin nous balance une folk électronique brumeuse, en même temps chargée et vaporeuse.

À l'exception des titres &quot;DDMMYYYY&quot; et &quot;marche funèbre&quot;, tout l'album est vertébré autour du piano. C'est dans les notes de cet instrument qu'on retrouve toute l'apesanteur des morceaux. Cela peut voguer dans les douceurs d'une comptine, comme pour le morceau &quot;Cry wolf&quot;, ou plonger dans la force et la fougue de titres comme &quot;Thanatos&quot;. On fluctue d'un morceau à l'autre, approfondissant à chaque fois un univers mélancolique, que les paroles n'ont pas l'air de vouloir égayer. Tout comme la voix d'ailleurs, qui se veut la plus part du temps torturée ou étouffée, dans des échos et des distorsions électroniques.

Au final on se retrouve avec un disque qualitativement homogène, qui sait enrober de vapeurs d'électroniques, une jolie composition de piano et de violon. Certains titres ont toutefois su m'enthousiasmer d'avantage que d'autres, comme la pièce d'ouverture &quot;sleep&quot; ou les très beaux &quot;the sun&quot; et &quot;fall foliage&quot;, pour lesquels la voix de Soap&amp;Skin sait disputer au piano le rôle de clé de voûte.
Notons tout de même des influences trop transparentes, notamment de Cat Power ou d'Aphex Twins. Ce qui reste de bonnes références, surtout pour un artiste aussi jeune, qui en est encore qu'au début de sa propre musicalité. Aux vues de ce premier essaye réussi, reste plus qu'à lui souhaiter une longue et prolifique carrière, ce qui n'est évidemment rien d'autre qu'un voeux intéressé.

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The Heavy - 2009 - The House That Dirt Built
Rock - Electro / Ninja Tune
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The Heavy grandit. Avec un passé voué aux joies du sampling et un présent rempli de guitares, de basses et de batteries déchaînées, des goûts musicaux schizophrènes, ils ont construit cet album, comme une maison, brique après brique. Et sont donc désormais très heureux de vous recevoir dans cette demeure, pour y fouiner, et y faire la fête, si vous voulez bien. Mais si jamais vous y trouvez des traces de sang, c’est normal. Car on ne vous a pas dit que ce serait facile. Mais, ce qui est sûr, c’est que ce sera la meilleure fête de votre vie. “Oh No! Not You Again” démarre comme il se doit, tel un monstre garage punk, Shingai Shoniwa (The Noisettes) o ffrant les choeurs à ce morceau qui sonne comme du Little Richard possédé par le diable.
Le principal single, “How You Like Me Now”, est du pur funk voodoo. “Sixteen” accompagne le fantôme de Screamin' Jay à travers l’histoire de Satan et de sa jeune épouse. “Short Change Hero” est une histoire d'amour digne d'un western spaghetti tandis que “No Time”, qui combine breaks crasseux et cri s fracassants, parle d'un amour perdu qui aurait dû durer toujours. “Long Way From Home” est un punk blues sur l'authentique et sincère désir ardent. Quant à “Cause For Alarm” c'est plutôt du reggae/ska 2 Tone alors que “Love Like That” nous fait retrouver le vieux King Jammys. “What You Want Me To Do” est aussi intense que du Hendrix. Et en n, “Stuck”, montre que The Heavy est capable, sans eff ort, d'allier ses nombreuses infl uences dans des love songs, qui renouvellent le genre tout en restant hors du temps.
Mixé et produit par Jim Abiss (bien connu pour avoir travaillé avec Arctic Monkeys, Adele et Kasabian) et avec The Noisettes sur trois morceaux (The Heavy a tourné avec eux, ils sont tout de suite devenus amis), “The House That Dirt Built” représente un pas énorme par rapport à leur déjà fantastique premier album “Great Vengeance &amp; Furious Fire”.
Ce second album, contrairement au précédent et grâce à leur expérience du live, est un vrai album de groupe. Comme le rock 'n' roll des débuts, le blues et le rhythm &amp; blues qui l'ont in fluencé, “The House That Dirt Built” est énorme, drôle, terri fiant et sûrement même beau. C'est, en fait, une maison dans laquelle vous reviendrez, encore et toujours

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The Phenomenal Handclap Band - 2009 - The Phenomenal Handclap Band
Funk psychédélique

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En bon vivier de la scène rock indépendante, Brooklyn avait déjà livré au monde entier quelques uns des groupes les plus excitants de ces dernières années (TV On The Radio, Animal Collective, Cocorosie), et d’autres trop reconnus désormais pour qu’on se souvienne de leurs exactes origines géographiques. En revanche, cette banlieue new yorkaise n’avait pas encore vu éclore de véritable all star band alors que le très arty Williamsburg notamment, fort d’une véritable émulsion musicale en tous genre, ne manquait pas de matière. Si “all star band” est un bien grand mot quand il s’agit d’aborder le cas “The Phenomenal Handclap Band”, on en est pourtant tout proche: autour de son noyau dur composé de Daniel Collas et Sean Marquand, deux personnages locaux incontournables pour leur activisme comme pour leur savoir musical encyclopédique, gravite quelques musiciens de l’ombre contribuant on ne peut plus à la lumière de leur projet phare respectif, qu’il soit rock ou soul. Au line up, apparaissent en effet certains membres aperçus au service de TV On The Radio, Amy Winehouse, Blues Explosion, Albert Hammond Jr, ou Mary J Blige: bien assez pour garantir la qualité de ce projet déjà passé par le catalogue Truth &amp; Soul (El Michels Affair, Menahan Street Band, Lee Fields…), et désormais chez l’Allemand Gomma, crédible depuis son empreinte posée sur New York via ses connections avec DFA et James Murphy. Autant de noms qui dessinent le paysage musical de The Phenomenal Handclap Band dont il faut aller chercher la ligne rouge au début des années 70. Pourtant, tout en allant piocher dans le passé, la troupe parvient à accoucher d’un son très actuel, parfois dansant, parfois plus intime, mais avec une richesse d’orchestration qui illustre tout le savoir faire de chacun des contributeurs, et fait subitement ressurgir les racines des récents succès de MGMT ou…Empire Of The Sun. On y croise donc de la soul latine, du disco, du psyché, de l’afro soul, du rock, du funk ou même de la fusion brésilienne, pour quelques moments d’extase justifiant sans peine le buzz qui l’entoure (en début d’album notamment puis plus tard “15 To 20?, “Dim The Lights”), même si d’autres passages plus kitsch (”You’ll Disappear”, “I Been Born Again”, “Tears”), et l’utilisation parfois abusive des claviers, tendent toutefois à nous faire relativiser. Reste que The Phenomenal Handclap Band, totalement inégalé sur la scène actuelle, maitrise on ne peut plus un sujet très particulier sur lequel il ne vous reste plus qu’à vous faire un avis.

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The Slew - 2009 - 100%
Turntablism rock

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Retour dans les années 70. The Slew est alors un groupe rock de Seattle méconnu, emmené par le multi instrumentiste et discret Jack Slew qui fait régulièrement appel à quelques musiciens extérieurs pour coucher ses compositions sur bande. Habité par le rêve d’embrasser une carrière musicale, il construit son propre studio, se met en quête d’un label, mais les refus se multiplient à une époque ou le disco fait du rock un genre devenu has been. Un seul opus finira pourtant par voir le jour et émerger de la multitude de titres inachevés: “Dust Commander”…tiré à 50 exemplaires en white label, et distribué par le bonhomme lui même auprès des disquaires du coin.

En 2005, cette histoire à la fois drôle et pathétique interpelle le réalisateur Jay Rowlands, fan du groupe, qui parvient à enrôler Jack Slew, à l’autoriser à en faire un film documentaire, et obtenir de lui les masters de l’époque. La plupart des morceaux étant restés au stade d’ébauches, il a la bonne idée de les confier à son cousin Dynomite D (beatmaker pour les Beastie Boys notamment) et son ami Kid Koala (petit génie des platines déjà auteur de plusieurs disques chez Ninja Tune), afin qu’ils les remixent et en fassent une oeuvre plus contemporaine. Logique, quand on sait que, malgré sa rareté, le registre du The Slew originel aura souvent été samplé. Mais Jack Slew, éternel rancunier envers un music business qui n’aura jamais voulu de lui, tourne finalement les talons, et compromet définitivement le film.

Pourtant, tout n’est pas perdu. Quatre ans plus tard et bien qu’amputé d’images, The Slew réapparait, Dynomite D et Kid Koala n’ayant pas abandonné l’idée, au point même de s’offrir les contributions de la section rythmique originelle des rockeurs de Wolfmother. “100%” est donc finalement achevé, et voit le jour en ce mois de novembre 2009, comme sorti de nulle part. Sauf peut être pour les mélomanes avertis qui auront saisi l’occasion temporaire de le télécharger gratuitement afin de mieux apprécier les concerts que le groupe donne depuis maintenant plusieurs semaines aux Etats Unis.

Le buzz grimpe, tout le monde en parle. Mario Caldato, producteur des Beastie Boys qui s’est ici chargé du mix, y voit même un nouveau “Paul’s Boutique”. Blindé par six platines, une batterie, une basse et un synthé, le The Slew nouveau offre une nouvelle approche au rock qui revient titiller le turntablism tout en évitant l’énorme piège de tomber dans le fade crossover. Cela aurait été mal connaitre la bande du talentueux Kid Koala, plutôt auteur ici de plusieurs pépites hip hop marquées au fer rouge par l’électricité du rock et des beats qui tabassent. A commencer par “It’s All Over”, premier single totalement addictif (cf vidéo ci dessous), sur lequel embraye une poignée d’autres titres (”Turn Me Cold”, “Robbin Banks”, le plus calme “The Grinder”), moins immédiats mais tout aussi convaincants tant ils soulignent aussi le travail technique des restaurateurs du jour. The Slew pourrait ainsi voler la vedette au très attendu Blakroc (association de The Black Keys avec une multitude de Mcs haute gamme à sortir fin novembre). Et dire que, pendant ce temps, Jack Slew en ait toujours à travailler le bois dans sa banlieue de Seattle…
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Themselves - 2009 - Crownsdown
Hip hop alternatif

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Pris dans le tourbillon de leurs multiples casquettes - en solo ou avec Clouddead et Subtle - Jel et Dose One reviennent sous l’entité Themselves et mettent ainsi fin à un silence de sept ans: une éternité quand on sait à quel point le hip hop, alternatif et expérimental de surcroit, n’a cessé d’évoluer pendant tout ce temps. En effet, en 2009, l’impact novateur d’Anticon s’est quelque peu émoussé, et la tendance est plutôt à un retour aux basiques, tout en privilégiant une approche nouvelle. Des fois ça marche, d’autres fois non. Quoiqu’il en soit, annoncé par une mixtape de haut vol il y a sept mois, le retour de deux des piliers originels du label ne pouvait être qu’un évènement tant depuis toujours il privilégie la qualité à la quantité, quand d’autres tout proches d’eux se sont plutôt enfoncés dans la routine de sorties aussi ressemblantes que récurrentes, ou dans l’indifférence en voulant chaque fois pousser toujours plus loin l’expérimentation.

Pour “Crownsdown”, Themselves leur sert une bonne leçon: plutôt que de courir et trébucher, mieux vaut encore prendre le temps d’avancer sûrement. Le duo ressert de ce fait toute l’expérience qu’il a engrangée depuis des années via divers projets, tout en n’oubliant jamais le hip hop qui l’a bercé durant son adolescence. Sur le fond tout du moins, car la forme, en propulsant les basiques du genre vers l’avenir comme s’ils n’étaient jamais passés par une phase transitoire (”Back II Burn”), est plus que jamais à l’ordre du jour. C’est une évidence, Jel n’a pas perdu la main, s’impose toujours en mettre de la MPC et du sampling (”Skinning The Drum”), et délivre dix productions tranchantes, efficaces, parfois gentiment mélodiques (”You Ain’t It”, “Roman Is As Roman Does”), oscillant entre hip hop et electro, et taillées pour un atypique Dose One qui gagne en goût au fil des ans. C’est en tous les cas ce que révèle la riche palette de flows qu’il utilise tout au long de cet album, reflet parfait de l’approche musicale que Themselves a tenu à respecter: ici ou là remonté à bloc, lent, chanté, en mode nasillard, ou baryton (”Gangster Of Disbelief”), quand il ne s’embarque pas à tout rassembler avec succès (”The Mark” sur lequel Jel s’offre même un couplet).

Équilibré, tel est donc un des qualificatifs qui puissent le mieux aller à ce disque dont la diversité s’en va même marcher sur les plates-bandes de TV On The Radio, formation parmi les plus influentes de cette décennie dont on retrouve des similitudes sur “Deadcatclear II” et “Daxstrong” (hommage à Dax Pierson, membre de Subtle handicapé lors d’un accident de la route en tournée). Mais en laissant le brutal et épuré “Gold Teeth Will Roll” cloturer l’album, Themselves martèle une ultime fois son idée de base, et relifte les quelques rides amassées par le son Anticon traditionnel. S’il n’est peut être pas aussi réussi que “The No Music”, “Crownsdown” parvient donc sans mal à l’égaler. Au moins.
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Thrice - 2009 - Beggars
Post Rock - Metal

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Quand beaucoup de groupes indé perdent de leur âme et se ramassent en signant chez une major, Thrice au contraire a su prendre magnifiquement ce virage avec le très convaincant “The Artist In The Ambulance” sorti en 2003. Étant passé au travers de son successeur “Vheissu”, c’est quand il a rejoint les rangs de Vagrant que nous nous sommes de nouveau intéressés à son cas, et que l’enthousiasme nous avait subitement abandonné. Embourbée dans les quatre volumes de “The Alchemy Index” en 2007 et 2008, le Thrice revenu à l’indépendant avec la ferme volonté de tout faire par lui-même, se perdait alors autant dans une technicité beaucoup plus mise en avant, que dans un pseudo concept écolo barbant. Seulement, en mitraillant les riffs, en soignant des ambiances collant à chacun des quatre éléments de Mère Nature, et en intégrant quelques bribes d’électronique à ses compositions, le groupe a quelque peu usé un public originel qui l’avait pourtant élevé jusqu’à son piédestal. C’est donc avec l’intention de se rabibocher avec lui que Thrice accouche de “Beggars”, un nouvel opus beaucoup plus conventionnel, mais surtout plus accrocheur, plus rythmé, avec une production plus directe qui sert magnifiquement une énergie retrouvée. Illustration dès l’entame avec le single “All The World Is Mad” sur lequel le combo joue de simplicité, autant dans la rythmique que dans les mélodies, et rappelle magnifiquement ce que l’émo avait de mieux à offrir à son apogée, durant les années 90. En cela, l’aparté solo et acoustique de Dustin Kensrue aura peut-être fait le bien de ce  disque tant le frontman semble ici libéré, épanoui et plus que jamais talentueux dans un environnement électrique. A lui seul, il pose le relief de “The Weight”, déborde d’émotion sur les plus calmes “Circles”, “Wood &amp; Wire”, “The Great Exchange” et “Beggars” rappelant la sensibilité d’Elliott, et emmène dans ses sursauts ses compères qui, dans leur justesse, ne se sont jamais révélés aussi bons (”In Exile”, “Talking Through Glass…”). Thrice évolue encore, dans le bon sens, regagne des couleurs, et nous le sourire alors qu’on avait déjà la pelle en main pour lui creuser son trou. Une erreur dont on aurait eu du mal à se pardonner…

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Zero 7 - 2009 - Yeah Ghost

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Yeah Ghost est donc plus qu’un nouvel opus abouti, c’est un véritable voyage musical où des sons rencontrent des voix, où des genres se mélangent pour ne plus faire qu’un. Pour donner lieu à un disque profond, maitrisé, multiple mais étrangement cohérent. Un des albums les plus beaux et les plus ludiques de l’année 2009.

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