A.S.M. - 2010 - Platypus Funk
Hip-Hop
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DComposé d’un Anglais, d’un Allemand, et d’un Canadien, A State Of Mind évite soigneusement le débat toujours animé qui tente de convaincre qu’une scène locale possède ses propres sonorités. Débarrassé de ce boulet que beaucoup traînent avec eux, le trio ne s’est chargé que d’une seule mission au moment de poser les fondations de ce “Platypus Funk”: ressusciter la bonne humeur, l’efficacité, le mood et les basiques du golden age hip hop, chose qu’il réussit parfaitement tout au long de cette petite quinzaine de titres transpirant pleinement le parrainage de Wax Tailor. Car A.S.M, révélé sur les singles “Say Yes” et “Positively Inclined” de celui qui a redonné un sérieux coup de fouet à l’electro hip hop hexagonal, pousse sa collaboration avec lui jusqu’à l’accompagner en tournée, l’inviter ici sur “Guaranteed”, et devenir la première signature de son label Lab’Oratoire. Mais qu’on se le dise, le trio possède assez d’expérience pour ne pas seulement faire office de petit protégé, et impose parfaitement son univers sur un “Platypus Funk” bourré d’invités de prestige, qui décroche la timbale plutôt que de se satisfaire d’une mission simplement accomplie. Éternels amoureux de De La Soul, A Tribe Called Quest, et Jurassic 5, vous trouverez ainsi certainement en A.S.M. la nouvelle coqueluche d’un hip hop hérité des nineties (”Vanilla Phillie”, “Transatlantic”, “Boom To The Bap”…), qui pioche allègrement dans tous les bons pots. En effet, soul, funk, reggae, voire jazz, se partagent de façon conviviale un gâteau jamais écoeurant, qui déclenche les sourires dès la première bouchée et se digère jusque sur scène ou le trio s’entoure de cuivres. Certes, A State Of Mind ne sonne pas la révolution, mais abreuve son public du plaisir communicatif qu’il a à partager un hip hop positif, chaleureux, mélodique et groovy. À tel point que, bien que le terme ait été longtemps galvaudé, on ira jusqu’à tenter l’adjectif “festif” qui revêt ici son plus bel habit, notamment quand A.S.M., au meilleur de sa forme, met les deux pieds en Jamaïque (”Root To The Fruit - feat Wildchild”), fait sonner le funk qui est en lui (”Certified Organic - feat Sadat X”), ou confie les clés à quelques producteurs britanniques de confiance (Kidkanevil et Bonobo sur “Momentum”, Dj Vadim sur “Move Like This”). Totalement inattendu, voire dispensable au premier abord, “Platypus Funk” se révèle finalement au fil des écoutes comme une des plus belles découvertes hip hop du moment. Ca fait du bien par où ça passe.

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Bonobo - 2010 - Black Sands
Downtempo

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Sans savoir pourquoi, on gardait l’image d’un Bonobo ultra productif, comme s’il laissait à peine le temps à son public de digérer chacun de ses disques avant d’en sortir un nouveau. Il n’en est rien pourtant, cette impression de prise à la gorge étant finalement à mettre sur le compte d’une période faste pour le downtempo, scène foisonnante à l’époque, sur laquelle Simon Green figurait parmi les références. Avec “Black Sands”, son nouvel opus, il vient se rappeler au bon souvenir d’un public electro qui ne manquera pas aussi de le conjuguer au présent comme au futur. En effet, ces quatre années d’absence auront été salvatrices pour celui qui semble s’être laissé le temps d’amasser toute son inspiration, pour encore mieux étaler un sens développé de la composition et de l’arrangement l’emmenant désormais fricoter avec les Cinematic Orchestra (”Animals”, “Black Sands”) plutôt qu’avec les nombreux autres producteurs de home studio. Du coup, bien qu’il huile la machine plus qu’il ne la révolutionne, et qu’il traine encore avec lui quelques boulets attaqués par la rouille (”Eyesdown”, “El Toro” et “We Could Forever” dans un registre rabâché), Bonobo méritera incontestablement les louanges que lui accorderont ici les adeptes du genre. En fin technicien comme en excellent musicien qui s’est ici chargé de toutes les instrumentations, il aligne en effet quelques pépites downtempo en privilégiant les cordes (”Kiara”), la voix d’Andreya Triana (le single “The Keeper”), ou son sens historique de la mélodie qui fait mouche depuis “Animal Magic” (”All In Forms”, le très bon “Kong”). “Black Sands”, quant à lui, n’est donc pas une surprise, plutôt une bonne piqure de rappel de la part d’un artiste qui devra quand même rapidement se réinventer avant que son capital sympathie ne s’effrite définitivement.

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Clutchy Hopkins - 2010 - Storyteller
Hip hop jazz downtempo

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Presque quatre ans après que son premier album ait vu le jour, et autant de temps passé à enfoncer le clou via des disques solos ou des collaborations (Lord Kenjamin, Shawn Lee), le mystère entourant la véritable identité de Clutchy Hopkins plane encore. Sa musique, en revanche, est devenue immédiatement reconnaissable tant, au fil des sorties, il a véritablement posé sa marque de fabrique sur ce mélange original de hip hop, de jazz et de downtempo auquel beaucoup se sont adonnés sans pour autant atteindre un tel rendu qualitatif. Pourtant, Clutchy Hopkins a un problème: en plaçant la barre bien haut dés ses premiers enregistrements, il s’est laissé une marge d’évolution beaucoup trop maigre pour espérer surprendre un public qui s’est peu à peu laissé séduire par son registre intemporel, plus précisément son sens de la rythmique, ses chaudes sonorités vintage, ses délires psychés, ses mélodies caniculaires et vénéneuses (”Miles Chillin’”, “Light As Feather”, “Drunk Socks”). Deux ans après l’excellent “Walking Backwards“, sa dernière apparition solo, le répertoire de ce mystérieux producteur - une nouvelle fois emballé dans une histoire capilo tractée qu’on ne relatera pas ici - n’a donc pas véritablement évolué. Au mieux, quelques voix font leur apparition, ainsi qu’une couleur musique du monde comme héritée de la récente trainée de poudre “Music Is My Medicine“: deux nouveautés qui s’entendent, ensemble ou séparément, par à-coups ou tout le long des “Giraffe Crack”, “No Contact… Contact”, “Truth Seekin’”, ou “Thinkin Of Eva” et son petit accordéon bien français. Reste que si ce “The Story Teller” est peut être l’oeuvre la plus variée de sa courte discographie, Clutchy Hopkins nous rappelle un peu trop ces séries B américaines ou l’on nous sert toujours les mêmes acteurs, les mêmes retournements de situation, lors de récurrents épisodes durant lesquels l’histoire ne fait qu’avancer à tout petits pas. Attendons nous donc à ce qu’elle se poursuive à ce rythme…

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Cypress Hill - 2010 - Rise Up
Hip Hop

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Gogol Bordello - 2010 - Trans-Continental Hustle
Gipsy punk

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Gotan Project - 2010 - Tango 3.0
Tango electro

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Gotan Project: il y a dix ans, le nom n’était encore qu’une rumeur, une nouveauté que l’on découvrait au hasard des sets DJ. Jusqu’à ce qu’en 2001 sorte un premier album. Succès phénoménal pour ce mélange inédit de basses dub mêlées aux traits lancinants du bandonéon. Le tout additionné de voix sensuelles annonçant dans un murmure de vieux tourne-disques l’avènement de La revancha del tango, la revanche du tango.

Depuis, le trio Eduardo Makaroff, Philippe Cohen Solal et Christoph H. Müller, un Argentin, un Français et un Suisse, est devenu grand public. Pop, en somme. Depuis, Gotan Project peut se «contenter» de sortir des albums à large tirage sans draguer au préalable les DJ. Le troisième et dernier s’intitule Tango 3.0.

En alliant le tango au vaste champ des musiques électroniques, le trio entendait amorcer un retour vers le futur. «Retour à la nostalgie futuriste», préférera-t-on… Explication avec Makaroff et Müller.

La pochette du disque, tout d’abord: soit les lettres G, O, T, A, N dessinées par des corps dénudés. Evocation de la danse, des peaux qui s’effleurent, propose Müller. Pour la première?fois, le terme même de tango est écrit dans le bon sens: Tango 3.0. «C’est, comme toujours chez Gotan, la confrontation entre l’ancien, le moderne et le futur. Notre démarche est d’amener le tango encore plus loin, si possible.» Avec Gotan Project, assure Müller, il s’agit bien d’une nouvelle forme de ce genre plus que centenaire.

La Pampa selon Disney

Quand bien même le tango est vaste («aussi vaste que le jazz», selon Makaroff), Gotan Project est allé chercher dans d’autres styles de quoi renouveler sa matière première. Dans la samba argentine, notamment. «C’est un rythme traditionnel ternaire, explique Makaroff, fréquemment employé pour la composition de chansons à textes. Celles de Mercedes Sosa et Atahualpa Yupanqui, pour les plus connues.» Cette samba, en l’occurrence, a donné lieu au titre Erase una vez, un concentré du mythe de l’Eldorado argentin. Une curiosité. Les paroles, en effet, ont été inspirées par le monde de… Disney!

Müller raconte: «Il y a quelques années, on devait travailler sur un album de réinterprétation des thèmes de Disney, comme Armstrong l’avait fait jadis. C’est tombé à l’eau. Mais on a découvert le voyage de Walt Disney en Amérique latine en 1942. Il était venu sur place avec ses dessinateurs pour réaliser Saludos amigos. Mélange de prises de vue et d’animation, le film montre entre autres le folklore argentin, les gauchos. Tu vois des gens qui dansent la chacarera, la samba!»

La littérature, l’écrivain Cortázar en particulier, et le cinéma ont également bonne place dans les inspirations de Gotan, qui puise autant dans les archives que sur YouTube. «On a aussi utilisé des extraits de propagande des années 50-60.»

Enfin, l’élément le plus emblématique du dernier Gotan, son truc le plus chaud, c’est sans conteste la contribution de Victor Hugo Morales. Star nationale du commentaire sportif, ce dernier a posé sa voix sur La Gloria. «Morales a chanté les plus grands goals de Maradona. Cette fois-ci, il a commenté un match fictif entre les musiciens.» Avec conclusion sur un autodérisoire «goooo-tan!»… «Le but, ici, était de faire… un but!», glisse Makaroff.

«Toutes ces citations, poursuit Müller, permettent de construire des ambiances. On aime multiplier les niveaux de lectures.» Démarche complexe que celle d’un groupe qui admet par ailleurs faire de la musique populaire. «Mais au final, conclut Makaroff, même si on ne comprend pas pourquoi on a mis telle petite voix ici ou là, il y a toujours quelque chose qui passe…»

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Jimi Hendrix - 2010 - Valleys Of Neptune
Rock
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Le 16 février 1969, Jimi Hendrix débute une session de répétitions à l'Olympic Studios de Londres. Le guitariste gaucher est alors au sommet de sa gloire : Electric Ladyland, sorti l'année précédente, est un succès, dans deux jours il joue au mythique Royal Albert Hall et dans six mois il inflige une claque monumentale au public de Woodstock. Valleys of Neptune compilent les morceaux enregistrés pendant cette période à Londres puis, au printemps 1969 à New York. Seul le titre qui donne son nom à ce onzième album posthume peut prétendre au statut d'inédit. Les onze autres pistes sont de nouvelles versions de chansons déjà connues des fans. Le résultat, qui brille par sa qualité sonore, présente un Jimi Hendrix sans direction artistique forte: il se penche sur des oeuvres anciennes (Stone Free était la face B de Hey Joe sorti en 1966), s'attaque au Sunshine Of Your Love de Cream et congédie Noel Redding, son bassiste originel, au profit de Billy Cox, son ancien camarade de l'armée. Sony Music, qui s'occupe désormais du catalogue de Jimi Hendrix, réédite aussi ses premiers albums agrémentés de bonus. De quoi remplir le tiroir-caisse en attendant l'arrivée d'un jeu vidéo Rock Band.

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L'Oeuf Raide - 2010 - Berlin Eggsile
Electro

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Après avoir pondu ses deux premiers albums dans les environs lyonnais, L’Oeuf Raide s’en est allé voir si l’herbe était un peu plus verte ailleurs. Et comme pour tous férus de musique électronique, l’opportunité d’embrasser l’intense vie berlinoise n’est pas restée très longtemps au stade de l’interrogation. C’est donc en capitale Allemande qu’il est parti approfondir encore un peu plus son savant mélange electro, éclabousser un nouveau public à grands coups de breakbeat, de jungle, et de hip hop, les trois principaux éléments d’un répertoire qui n’a aujourd’hui plus à prouver son efficacité. “Berlin Eggsile”, le jeu de mot est donc une nouvelle fois bien trouvé, et la couleur hautement affichée puisque même certains titres de morceaux sont couchés dans la langue de…Merkel. Toujours totalement imperméable à la tendance électronique, L’Oeuf Raide n’y perd pas moins en personnalité, et reste fidèle à une éthique qui le suit depuis ses débuts: se laisser aller coute que coute à ses envies, qu’elles soient electro-dub (”Aller Anfang Ist Schwer”, “Chiming Radio”), trip hop (”Virtuelle Reise Nach Spanien”), breakbeat (”Orgiastic Freq”), ou cinématiques (”Stiff Climb”). Bien sûr, bien que chaque disque souligne une nette amélioration, et alors qu’on s’habitue désormais à sa démarche, difficile pour Le Fred d’éviter parfois le prévisible (les bidouilles de “Erosynthicization”, “Pauses Into Silence”, “Watch Da Step”). Pourtant, “Berlin Eggsile” contient bien son lot de nouveautés, notamment quand l’intéressé se lance plus franchement dans l’electro hip hop (”Lost In a Vortex feat.Blu Rum 13), le rock (”Produit d’Appel”), ou laisse échapper quelques pointes de blues sur l’excellent final “Der Katzenjammer”. Autant de titres laissant encore parfaitement envisager l’avenir, ouvrant de nouvelles possibilités à un Oeuf Raide qui pourra ainsi refermer sèchement sa boite de douze sur de vieillissantes sonorités teuf. Pas de refus…

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MGMT - 2010 - Congratulations
Pop
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Il n’est jamais évident de prévoir comment va sonner le deuxième album d’un groupe devenu phénomène dès son premier acte. Et c’est incontestable: MGMT, certes aguicheur mais pas vraiment adepte des compositions faciles, en est un pour être parvenu à vendre plusieurs millions d’exemplaires de son “Oracular Spectacular“. Deux ans plus tard, on s’attendait donc au mieux à une suite logique encore plus aboutie, au pire à une pâle copie reflétant toute la difficulté de la confirmation, mais certainement pas à ce que le duo prenne à ce point les attentes à contre-pied, et déconcerte un public tout acquis à sa cause. Rappelez vous d’ailleurs les réactions perturbées de ses plus ardents défenseurs quand il a rendu disponible gratuitement le single “Flash Delirium” il y a quelques semaines. Ben Goldwasser s’en était même plus ou moins excusé…

Pourtant, cela n’aura pas plus incité les deux à courber l’échine, et servir bêtement à leurs fans ce qu’ils attendaient d’eux. Malgré son jeune âge, MGMT est au-dessus de ce genre de considération, et s’affirme déjà suffisamment pour ne pas avoir à repousser l’échéance: c’est bel et bien l’autre facette de sa personnalité qui se dévoile dès ce “Congratulations”, rupture volontaire avec son accessible prédécesseur tant le duo n’est définitivement pas à l’aise dans ce costard de rock star qu’il porte malgré lui. Pour cela, ce nouvel album rase tout et laisse donc l’entière liberté à MGMT d’ériger une toute autre composition: entre une production très garage sixties (”Brian Eno”) et des morceaux à la fois complexes et hors format (l’instrumental “Lady Dada’s Nightmare”, le long “Siberian Breaks”), autant vous dire tout de suite que vous ne trouverez certainement pas ici ce que vous êtes venus y chercher, encore moins des tubes de la trempe de ceux d’antan (”Kids”, “Time To Pretend”, “Electric Feel”).

Au mieux, devant cette ferme volonté de MGMT de revenir à un environnement plus humble, de tourner le dos à un Monde qui lui tend les bras, c’est quelque peu résigné qu’on se satisfera de seulement entrevoir ici l’éclat des mélodies. Celles avec lesquelles le groupe nous met en appétit pour mieux nous les enlever de la bouche, comme sur l’entame “It’s Working” à mi-chemin entre surf rock et post punk, sur le final folk éponyme, et entre temps sur “Flash Delirium”, finalement un des meilleurs morceaux de ce disque tant il regorge de rebondissements rivalisant d’efficacité. Mais “Congratulations” restera aussi l’album qui aura consacré douze de ses minutes à l’interminable “Siberian Breaks”: un titre kaléidoscopique encensé par quelques-uns, et preuve irréfutable pour d’autres que MGMT avait, en 2010, définitivement l’intention de se tirer une balle dans le pied pour freiner sa course infernale qui l’emmenait rejoindre les grandes entités pop de notre temps. Que les deux new yorkais soient désormais rassurés: promis, on n’interprètera le titre “Congratulations” autrement que dans le second degré et l’ironie.
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Rufus Wainwright - 2010 - All Days Are Nights Songs For Lulu
Songwriter

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Affectueusement qualifié par Elton John de « meilleur songwriter de la planète » et distingué par le New York Times pour « son authentique originalité », Rufus Wainwright est devenu l'un des plus grands chanteurs et songwriter de sa génération. S'il est effectivement le fils des chanteurs folks Loudon Wainwright III et Kate McGarrigle, ainsi que le frère de Martha Wainwright, Rufus a obtenu le succès en creusant son propre sillon dans les univers du rock, de l'opéra, du théâtre, de la danse et du cinéma. Il a collaboré avec des artistes tels qu'Elton John, David Byrne, Rosanne Cash et Keane.

« All Days Are Nights: Songs For Lulu ». Un album piano/voix très personnel, produit par Rufus lui-même.

2 titres sont co-produits avec Pierre Marchand avec qui il collabora déjà à l’époque de son deuxième album « Poses ». Composé de 12 titres, ce nouvel album dont le titre est inspiré du personnage de Louise Brooks « Loulou » débute sur une ode à la ville de New-York « Who are you New-York? » qui vous transportera au travers des lieux les plus mythiques de Manhattan.

Accompagné de son piano, Rufus Wainwright continue son voyage avec trois Sonnets de Shakespeare (Sonnets 43, 20 et 10) et l’aria final de son opéra Prima Donna, « Les Feux d’Artifices t’Appellent ».

Grand admirateur d'Edith Piaf, Al Johnson ou Judy Garland, la musique de Rufus Wainwright a de grandes influences lyriques, de l'opéra jusqu'à la chanson française et même la comédie musicale. « All Days Are Nights: Songs For Lulu » fut fortement influencé par la disparition en janvier dernier de sa mère, la légendaire chanteuse de folk Kate McGarrigle.

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